La Ballena

Marzo ha llegado y quedan atrás tanto verano como vacaciones. Retornamos a la ajetreada vida laboral con todo lo que esto conlleva y, además, es el mes de los Óscares. Santiago despierta con tráfico y congestión. Los centros comerciales se llenan de nuevo y la gente disfruta de las películas candidatas a los premios de la Academia en los cines.. Dentro de ellas hay una que me llama la atención por la historia del actor que interpreta al personaje principal. Me refiero a Brendan Fraser y la película "La Ballena". Este actor ha recibido un bullying brutal en Redes Sociales debido a que desapareció de la primera línea de actores de renombre. Son virales los vídeos de YouTube que se titulan "El triste final de Brendan Fraser" o "¿Qué pasó con Brendan Fraser?". Un actor ignorado durante años por Hollywood después de un prometedor futuro en sus primeros años de carrera. Una figura ausente durante décadas de las carteleras y que, de repente, vuelve a escena ganando el Óscar a Mejor Actor 2023. ¿Quieres saber si su interpretación es digna del Óscar? ¿Quieres saber si vale la pena ver esta película a pesar de que aborda un tema que parece ser, a primera vista, poco atractivo para los espectadores? Si quieres saber más acerca de este film ven y acompáñame hasta el final de este vídeo. Si te gusta el contenido del canal, suscríbete, dale al botón "like" y comenta este vídeo para que se difunda en Redes Sociales.
 
      "La Ballena" ("The Whale" en inglés) es un drama psicológico del 2022 y se basa en la obra teatral homónima escrita por el dramaturgo nacido en Idaho Samuel D. Hunter. Está dirigida por el estadounidense Darren Aronofski. Cuenta la historia de un profesor de literatura solitario con obesidad mórbida y que intenta restaurar la relación perdida con su hija adolescente para así reconocer que hizo algo valioso en su vida. Está protagonizada por Brendan Fraser y Sadie Sink en los papeles principales. Con Hong Chau, Samantha Morton y Ty Simpkins en papeles de reparto. Darren Aronofsky​ es un director y guionista de cine nacido en Brooklyn, Nueva York, y conocido por sus películas melodramáticas y perturbadoras. Tras revisar su filmografía saltan a la vista tres de ellas y que son las más conocidas de su carrera: "El luchador" de 2008 con Mickey Rourke, el "Cisne Negro" de 2010 con Natalie Portman y con quién también ganó un Óscar a Mejor Actriz. Por último está "Noé" de 2014 con Russell Crowe. "La Ballena" se estrenó en el Festival de Cine de Venecia en septiembre de 2022 y recibió una ovación de pie que duró varios minutos, incluido un aplauso de más de seis minutos para un Fraser nominado y ganador del Óscar a Mejor Actor este año. La película fue también nominada a los Óscares a Mejor Actriz de Reparto para Chau y Mejor Maquillaje y Peluquería. La cinta empieza con una clase en línea en la que la cámara del profesor está apagada. Charlie es un profesor de inglés que reside en Idaho y nunca sale de su departamento. Organiza cursos de escritura en línea para estudiantes universitarios; sin embargo, mantiene su cámara web apagada, pues se avergüenza de sus 275 kilos de peso y padece obesidad mórbida. No quiere mostrar su apariencia a los estudiantes. Liz es enfermera y su única amiga. Lo atiende e insta a que visite un hospital por riesgo grave de insuficiencia cardiaca. Él se niega porque cree que nunca podrá hacer frente a la deuda resultante del tratamiento. Por casualidad entra Thomas a su casa. Un misionero de la Iglesia Nueva Vida y pretende salvar a Charlie. El otro personaje es Dan. Charlie pide pizza con frecuencia y sigue una rutina constante con él, un repartidor que deja la pizza y recoge el pago en efectivo del buzón sin que ambos interactúen más allá de algunas palabras a través de la puerta. Charlie espera volver a tener una relación con Ellie. Su hija adolescente y a quien no ve hace ocho años. Le ofrece 120 mil dólares de su cuenta bancaria para que pase un tiempo con él sin el conocimiento de su madre. Ellie acepta una vez que Charlie le ayuda a reescribir un ensayo escolar, aunque él hace todo lo posible para que ella también escriba en un cuaderno. Liz, por su parte, molesta por las frecuentes visitas de Thomas, le dice que Charlie no necesita ser salvado. También revela que es la hija adoptiva del pastor principal de Nueva Vida y que Alan, el novio fallecido de Charlie, era su hermano. Se suicidó por culpa religiosa y esta fue la causa de que Charlie comenzara a comer compulsivamente. La primera sensación que deja la película es que el personaje de Charlie fue creado para Brendan Fraser. El actor se hizo un nombre interpretando a personajes bonachones desarrollados en títulos como "Al diablo con el diablo" con Elizabeth Hurley. Sin embargo, dichos papeles pueden funcionar a los treinta y pocos años. Fraser se encasilló en ellos y no supo reinventarse. Entrada la madurez, sus trabajos fueron de fracaso en fracaso, hasta tal punto que llegó a convertirse en uno de esos intérpretes con los que nadie quiere trabajar. Fraser optó por trabajar en películas de baja estofa que le otorgaron popularidad en su momento, pero con rendimientos cada vez peores y sin títulos interesantes en su filmografía. Parece que, el mundo es una caja de Pandora y hay una segunda oportunidad para todos. El actor regresó a la primera línea con este papel. Ahora, al intérprete le llueven aplausos y así fue en Venecia a principios de septiembre de 2022. "Esto está muy lejos de todo lo que he hecho, pero no quiero ser tímido... Sé que va a causar una verdadera impresión" dijo. Además, Fraser ha definido a su personaje como el más heroico que haya interpretado nunca. El primer paso hacia la redención fue recibir el Óscar a Mejor Actor en el 2023. El personaje está hecho para Fraser, pues todo el film gira en torno a su actuación, la que a mi juicio, es brillante. La película aborda una gran cantidad de temas y en ninguno se queda corta. La religión, la homosexualidad, la depresión, la responsabilidad paterna, la muerte y la trascendencia, en fin, los trastornos alimenticios y todos aristas que se exploran con intensidad. Mensajes respaldados por simbolismos claros, como colores y sombras, la lluvia y la naturaleza. Todo contribuye a transmitir una sensación de devastación completa. Más que sobre la obesidad, "La Ballena" es un film sobre la muerte. Charlie sabe que morirá y revisa su vida. Reflexiona sobre lo que deja atrás y sobre las razones por las que llega a donde está. Mira a su hija, la que pudo haber sido una relación con ella y no fue. Es una carrera desesperada y contra el tiempo para convertirla en algo bueno que dejar en el mundo. Se mira a sí mismo, se avergüenza y se pregunta qué genera en el resto. Ya no hay vuelta atrás. ¿Tiene sentido dejar de comer y cambiar, corregir los errores del pasado? Es la idea del encierro en una época que sale de una pandemia. El personaje está atrapado en un cuerpo que ya no responde, en un organismo enfermo que es una cárcel de carne y hueso. Por lo tanto, también lo vemos enclaustrado en su casa. La acción transcurre en un solo escenario. Es el departamento del protagonista, lúgubre y desaseado. Un lugar cuyo desorden es una proyección de su alma atormentada. También hay que dedicar unas frases a Sadie Sink. Se trata de una joven actriz que conocemos por la serie "Stranger Things". Se ha transformado en una promesa de la actuación y su interpretación de Ellie no hace más que confirmar esta opinión. Sink es la coprotagonista de Fraser y da vida a una adolescente que lidia con un padre intentando reconectar con ella. El trabajo de la actriz es macizo y no ha quedado ajeno al buen recibimiento de la crítica. Fraser mismo reveló sus impresiones tras trabajar con ella: “Esta niña es buenísima. Su talento precede a sus años de experiencia... Fue algo que no he visto a ningún otro actor joven... ser tan preciso, tan inventivo, cómo ser tan consistente... Podría seguir y seguir, y te lo prometo, quiero hacerlo. Ella es simplemente genial” dijo. Cómo conclusión, puedo decir que esta película es un viaje al fondo de la desesperación humana y que busca la redención, de cómo se puede asir la luz en el momento más oscuro. Es la historia de una vida que alguna vez fue plena, pero que ahora solo está esperando su final. Es un relato que sensibiliza, una intensa e inteligente tragedia  que tiene lugar en una difusa semana al interior de un recinto acorde con el drama que relata. Es una cinta escrita para el lucimiento de todos sus actores y no solo de Fraser. "La Ballena" es un mar de metáforas que se hacen evidentes con cada una de las relaciones de Charlie y con los temas de que trata. Es una película que recomiendo cien por ciento. Saludos. . 

Atrapado sin salida

Bienvenidos a Un lugar de literatura: "Atrapado sin salida" en castellano o "One Flew Over de Cuckoo´s Nest" en inglés es una película de 1975. A pesar de que fue filmada hace casi cincuenta años, ¿quieres saber por qué tienes que verla?, ¿por qué ganó los cinco más importantes premios de la Academia?, ¿por qué es considerada cultural, histórica y estéticamente significativa por la Biblioteca del Congreso de los EEUU y seleccionada para su preservación en el National Film Registry? Si quieres saber por qué todo amante del buen cine debe ver este film, acompáñame y quédate hasta el final de este vídeo.

"Alguien voló sobre el nido del cuco" en España, "Atrapado sin salida" en Hispanoamérica o "One Flew Over the Cuckoo´s Nest" en inglés, es una película de 1975 que algunos tildan de comedia dramática. Es cierto, tiene algunos pasajes de humor; pero, a mi entender, está lejos de ser una comedia. Es un drama de tomo y lomo. Fue dirigida por el checo-estadounidense Milos Forman. Director de renombre por películas tales como "Los amores de una rubia" (1967), "¡Al fuego bomberos!" (1969) o "El escándalo de Larry Flynt" (1996). Sin embargo; además de "Atrapado sin salida", su película más recordada es la magistral "Amadeus" de 1984. Este film está protagonizado por Jack Nicholson, Louise Fletcher y William Sampson en los papeles principales. También, entre otros, por unos jóvenes Danny de Vito y Christopher Lloyd en papeles de carácter. Está basado en la novela homónima que Ken Kesey publicó en 1962. La historia nos introduce en la cotidianidad de un hospital psiquiátrico ubicado al norte de Oregon. Al recinto llega Randle McMurphy, personaje interpretado por Jack Nicholson y principal de la cinta. Es un hombre condenado por múltiples delitos y de distinta gravedad. Será estudiado por los psiquiatras, puesto que se sospecha que finge algún trastorno mental para no cumplir su condena en la cárcel. Pues bien, el largometraje gira en torno a la estadía de este personaje en el psiquiátrico y de cómo se enfrenta a Mildred Ratched, enfermera principal de la institución y personaje interpretado por Louise Fletcher. Ella representa al poder, al orden y lo preestablecido. Ambas figuras entablan una relación tensa desde un comienzo. Por un lado, McMurphy no soporta las actitudes opresivas de Ratched y ella, al mismo tiempo, sufre el desorden provocado por las relaciones que debe, necesariamente,  establecer con enfermos mentales en el manicomio. McMurphy es un espíritu libre que vive contra las normas y su tendencia al desorden contagia a los demás enfermos del pabellón. Se desencadena una guerra entre ellos y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched a la cabeza. La suerte de cada paciente está en juego. Descubrimos a los personajes, a internos, siempre encogidos con los brazos o las piernas cruzadas cuando tienen al frente a la calmada y fría enfermera Ratched. Esto nos ayuda a reconocer la importancia que tiene McMurphy en el desenvolvimiento de la acción porque es el único que no ha sido amansado por el sistema de la enfermera. Su energía invade y trastoca el dominio de Ratched, es encantador y generoso con sus compañeros, puesto que los ve como amigos y personas no más locas que las del mundo exterior. Dentro de estos personajes encontramos al Jefe Bromden interpretado por  William Sampson. Un indio americano al que se cree sordomudo y que será fundamental en el final de la película. McMurphy revoluciona el hospital. Se roba un autobús y escapa con varios pacientes a un viaje de pesca. Organiza una fiesta con alcohol y mujeres durante la noche. Todo lo anterior, por supuesto, trae consecuencias. La cinta ganó cinco premios Óscar: Mejor actor para Jack Nicholson, Mejor actriz para Louise Fletcher, Mejor director para Forman, Mejor película y Mejor guion adaptado. Los cinco premios más importantes que otorga la Academia en un año. Nos encontramos frente a un relato de opresión y emancipación. Es una historia que trata sobre  la capacidad de subyugación que tienen las instituciones, ya sean gubernamentales, políticas o sociales, sobre los seres humanos y sus libertades individuales. Milos Forman siempre asimiló a estos enfermos con víctimas de la manipulación que el comunismo hace con los ciudadanos. Por su parte, Ken Kesey se inspiró en experiencias que tuvo como enfermero en el turno nocturno de un hospital de este tipo. La película muestra a un psiquiátrico similar a una prisión con grandes muros, alambres de púa y seguridad. Este dato, además de agregarle autenticidad a las escenas, refuerza el mensaje que en forma de crítica se despliega a lo largo de todo el film: Los locos, al igual que los presos, son considerados un mal molesto que deben aislarse, mantenerse lo más lejos posible del mecanismo funcional de la sociedad. También es un reclamo contra las brutales terapias que se utilizaban en esos tiempos para controlar a los enfermos mentales como el electroshok y la lobotomía. Es un himno a la libertad, pues a través de la ficción, el director nos muestra que detrás de las patologías mentales hay personas con voz propia y deseos. La solución no es aislar, no es imponer una disciplina inflexible, sino que apropiarse de la situación para poder reinsertarse luego en el mundo social. Mención aparte merece la soberbia interpretación que hace Jack Nicholson de Randle McMurphy y tan es así que cabe preguntarse: ¿la película habría sido la misma sin la participación de Nicholson? A mi juicio, la respuesta es clara: No. El actor ya venía de interpretar a personajes "atípicos" por decirlo de alguna manera. McMurphy es un inadaptado social que no acepta las normas y creo, sin exagerar, que no existe otro actor capaz de abordar a este personaje con tal soltura y naturalidad. Lo anterior quedó absolutamente corroborado con el icónico Jack Torrance de "El Resplandor". Por otro lado, la actuación de Louise Ratched también es memorable y juntos hacen un complemento perfecto. El espectador se encariñará con McMurphy y odiará a Ratched sin la posibilidad de matices. La inclinación hacia el personaje de Nicholson es inevitable. No tengo claro si otro actor hubiese logrado algo similar. Por último, a diferencia de aquellos títulos que hoy consideramos “de culto” y cuya valoración se construye años después de su estreno, en el caso de "Atrapado sin salida", la recepción favorable del público y la aceptación de la crítica se vieron reflejados en un inmediato éxito de taquilla. Es una película atemporal, pues las interpretaciones y apreciaciones sobre su trama las podemos resignificar una y otra vez. Es una cinta que cuestiona convencionalismos y prejuicios que vivimos en esta época  a pesar de que no pertenece a ella. Saludos.

El callejón de las almas pérdidas

Pues bien...ya de vuelta de la costa y como, debido al coronavirus, hace tiempo que no lo hacía, me dieron ganas de ver una buena película en el cine. Revisando la cartelera, me encuentro con un estreno cuyo director es el mismo de "La forma del agua". Dicha cinta ganó varios oscares hace tres o cuatro años y, por esas casualidades de la vida, fue la primera película respecto de la cual hice un comentario en mi canal. Me refiero al mexicano Guillermo del Toro. Por supuesto no dudé y me apresuré a ver este film pues "La forma del agua", a pesar de que tuvo una crítica positiva, me dejó con sensaciones encontradas. Por un lado me sorprendió gratamente su factura técnica y su fotografía. No cabe otro adjetivo que el de magistral para su  atmósfera y ambientación. Sin embargo, a mi juicio y no obstante lo anterior, por otro lado a la película le resta mérito una historia que poco a poco se diluye y pierde peso ante lo espectacular de lo estético y lo visual. Exactamente lo mismo me sucedió con "El callejón de las almas pérdidas". Guillermo del Toro Gómez es un director, guionista, productor y novelista mexicano nacido en Guadalajara. Ha sido galardonado con el Premio Goya y varias veces con el Premio Ariel. En 2018, se hizo acreedor al Globo de Oro como mejor director por su película "La forma del agua". Un mes después, recibió también dos premios Óscar por esa misma película: mejor director y mejor película. Además de "La forma del agua", sus películas más conocidas ( las cuales no he visto) son "Cronos" de 1993 y "El laberinto del fauno" del 2006. "El callejón de las almas perdidas" es una adaptación de la novela de  William Lindsay Gresham publicada en 1946 y también un remake de la cinta de Edmund Goulding que llevó la novela al cine en 1947. Hoy está convertida en un verdadero clásico de culto del cine negro que protagonizaron Tyrone Power y Joan Blondell. Es la historia de un buscavidas seductor que sobrevive en un circo ambulante en la década de los cuarenta en EEUU al tiempo que estalla  la Segunda Guerra Mundial y que triunfará a costa de mentir y hacerse pasar por un poderoso médium que puede hablar con los muertos. La nueva versión cuenta con la actuación de una pléyade de grandes actores, pero sus personajes principales están interpretados por  Bradley Cooper como Stanton Carlisle, Cate Blanchette como la Dra. Lilith Ritter, Rooney Mara como Molly Cahill, Willem Dafoe como Clem Hoately, Ron Perlman como Bruno y Toni Collette como Zeena Krumbein entre otros. El film tiene una estética arrolladora muy similar a "La forma del agua", con un diseño de producción que cautiva desde las primeras escenas y que sabe conjugar lo lúgubre del circo con el lujo de los espectáculos para ricos de la segunda parte del film. Es una historia que nos habla de los subyacentes de la vida, de lo que se esconde bajo lo visible. No hay magia, solo existe el truco y el engaño.  El circo siempre ha sido un lugar triste, incluso siniestro. Nos habla de gente sin raíces que encuentran una familia entre nómadas como ellos. Del Toro siempre muestra fascinación por ese tipo de ambientes y personajes. Si en "La forma del agua" encontró la humanidad en la criatura, ahora el trabajo es a la inversa: el monstruo es humano. El circo tiene dentro de sus atracciones, a un hombre degradado por el alcoholismo. A cambio de una botella, es capaz de realizar los actos más grotescos como rebosar en sus propios excrementos, rebanar cabezas de gallinas y serpientes a mordiscos. Es un engendro, mitad hombre, mitad bestia. Un personaje aparentemente secundario cuya importancia se irá revelando con el transcurrir de la película. El alcoholismo es una problemática recurrente en "El callejón de las almas perdidas" pues muchos de sus personajes tienen una relación compleja con el licor que les lleva a la perdición. La trama parte con un hombre que arrastra un cadáver, lo entierra bajo el suelo de una casa y la incendia. Stanton Carlisle (Bradley Cooper), un tipo silencioso, observador y hermético. Un criminal. Stanton recala de forma fortuita en una feria ambulante administrada por Clem (Willem Dafoe), un empresario sin escrúpulos que le ofrece trabajo. Empezamos a recorrer un mundo de supuestos talentos extraordinarios: Bruno, el hombre más fuerte del mundo (Ron Perlman), el infaltable enano de estos espectáculos, Molly, la mujer capaz de transmitir por su cuerpo descargas eléctricas (Rooney Mara) y la pareja de mentalistas formada por Pete y Zeena (Toni Collete). Todos estafadores revestidos de un bonito envoltorio. Sin embargo, debajo de la magia no hay nada más que truco. El hombre más fuerte sufre de dolor de rodillas y los adivinos simplemente recurren a estratagemas para  pasarse información sin que nadie se de cuenta. Stanton decide aprender los trucos de los mentalistas y participar en su número al tiempo que se da cuenta de que con intuición, observación y la pequeña ayuda de un manual, puede inducir a la gente para conseguir lo que quiere. Se nos plantea una trama en torno a la capacidad de manipulación del protagonista, pero también a la necesidad de un público que se deja engañar. Es en esta parte de la película que uno más disfruta como espectador: el retrato del mundo circense, sus monstruos y sus princesas, con sus alcohólicos y sus forzudos, con la avaricia del propietario y las ambiciones del protagonista. Stanton se convertirá en asistente de Molly Cahill, la enamora y la hace su amante para luego convencerla de que salgan de ese submundo e incursionar con espectáculos para la élite de las grandes urbes. Es aquí que entra en escena y se cruza en su camino la doctora Lilith Ritter (Cate Blanchette), una corrupta psicoanalista que encarna a la clásica 'femme fatale' demostrando ser tan o más peligrosa que el propio protagonista. Ambos se ponen de acuerdo para estafar a gente adinerada. Los claroscuros, las persecuciones y  una investigación sobre quién engaña y quién dice la verdad caracteriza a esta segunda etapa de la cinta. Una nueva interpretación de lo monstruoso porque, ¿quién es el monstruo, el engendro o aquellos que se ríen del engendro? Las opiniones son encontradas, hay críticos que encuentran esta versión superior a la película de 1947 y otros inferior. Incluso están los que opinan que este es un retroceso en la carrera del mexicano. Pero más allá de las críticas que van en distintas direcciones, es indudable que este filme lleva el sello característico del director y este consiste en un cuidado espectáculo visual que se traga el alma de la historia. La misma sensación con la que salí del cine luego de ver "La forma del agua". Para mi, lo anterior es un defecto importante, sin embargo por algo me doy a la tarea de comentar esta película y, a mi juicio, "El callejón de las almas perdidas" es una producción digna de ser vista no obstante que dista de ser perfecta. Por otro lado, no olvidemos que está nominada a cuatro premios Oscar. A mejor película entre ellas. En resumen, la película comienza con un personaje sin rumbo que en el circo ve una oportunidad de sobrevivir, aprende sus secretos y luego juega a ser Dios: "Llevo toda la vida buscando algo en lo que fuera bueno" dice el personaje. La atmósfera del circo atrapa. Los personajes oscuros, los trucos y el día a día circense te mantienen atento a la pantalla. La primera parte se desarrolla en un mundo en el que mentira y verdad se confunden y, aunque parezca contradictorio, como la gente necesita creer en una magia irreal. Luego, ya en la ciudad, con la codicia como móvil, lo oscuro y lo perverso. "El callejón de las almas perdidas" me deja como lección que para que exista la mentira no basta solo con el mentiroso sino que también se requiere del incauto que quiera escucharlo. Saludos.

El Padre

Fueron casi dos años sin entrar a una sala de cine gracias a la pandemia y reconozco que estaba ansioso por ver una buena película en la pantalla grande. Por las noticias, me entero de que los cines ya están abiertos y me doy a la tarea de revisar la cartelera. Sin buscar nada en especial,  encuentro las excelentes críticas recibidas por la película "El Padre". Además, el nivel de sus actores garantizaban un film de calidad. Salí del cine con la sensación de que la elección no solo fue la correcta sino que superó, con creces, mis expectativas. "El Padre" es la opera prima del director francés Florian Zeller, es decir su primera película, pero, al mismo tiempo, es una adaptación a la exitosa obra de teatro homónima escrita por él mismo. Desde un comienzo nos damos cuenta que no disimula sus orígenes teatrales. Todo lo contrario: hace de los pocos e inalterables decorados y del diálogo actoral entre los protagonistas su razón de ser. Fue nominada a siete premios Oscar (incluyendo mejor película) de los cuales ganó dos: Mejor actor y mejor guion adaptado. Cuenta con la actuación principal de dos actores de vasta trayectoria y que no necesitan de mayores presentaciones: me refiero a Anthony Hopkins (ganador del Oscar) y Olivia Colman. Me imagino habrán visto al menos una de sus películas. La trama es la siguiente: Anthony (Anthony Hopkins), es un ingeniero octogenario mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo. Rechaza a todas las cuidadoras que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para que le ayuden en casa. Ella se desespera pues ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar. El comienzo es confuso debido a que aparecen y desaparecen escenarios y personajes de manera ilógica. La confusión es tal, que el espectador llega a pensar que se encuentra ante una especie de thriller policial o tal vez una película de misterio donde un anciano está siendo estafado o secuestrado. ¿Es el viaje a París algo inminente? ¿Es el amplio departamento propiedad de Anthony desde hace muchos años o en verdad Anne y su marido lo han llevado allí para tenerlo cerca? ¿Por qué aparecen en escena un hombre y una mujer que cambian las certezas del protagonista y, por lo tanto, también las del público? Todo eso se irá resolviendo a medida que avanzamos en una trama que navega entre el drama familiar y elementos más bien ligados al thriller o, incluso, hasta el terror. La verdad es que el tema principal de la película no es una estafa o un secuestro sino que el alzhaimer o demencia senil, temática ya tratada en más de un film con distinto éxito. Sin embargo; la gran novedad de "El Padre" es que su acercamiento a la demencia senil se efectúa desde el punto de vista del propio enfermo. Además, que al comienzo de la cinta, el espectador está tan perdido como el propio protagonista. El Director juega con pequeños detalles para narrarnos que algo está sucediendo en la cabeza de Anthony. Nos coloca en la mirada subjetiva del enfermo y la narrativa se vuelve laberíntica y confusa, como la propia mente del protagonista. Víctima y por momentos victimario; un anciano vulnerable que puede convertirse en déspota; una persona que a veces parece fuerte, encantador y autosuficiente para después transformarse en un alma en pena y sin rumbo. Anthony nos ofrece un testimonio de profunda tristeza y humanidad a partir de una deslumbrante actuación del propio Anthony Hopkins. Por eso, y más allá de la mayor o menor cercanía que cada uno de nosotros pueda tener con las problemáticas de la vejez, se trata de una película de una enorme hondura psicológica. Qué largo y difícil es el camino que desde el infierno conduce a la luz dice alguien por ahí. Pero después de la devastadora y no menos enriquecedora experiencia que resulta ver esta magistral pieza fílmica, no cabe duda de que el camino contrario es aún más difícil. En resumen, se trata de una muy buena película que remueve por dentro puesto que los temas y situaciones que aborda son reales, difíciles y duros… pero también vitales. Saludos.

2001 Odisea del espacio

¿Quién no disfruta de una buena película? Así como la literatura consta de una gran variedad de géneros, el cine también cuenta con un sinnúmero de temáticas que agrupan a películas con argumentos similares en un género determinado. Yo intento disfrutar de todos ellos y siempre he considerado que una buena película lo es con independencia de su género. Sin embargo, por más que intento ser imparcial y disfrutar del cine sin prejuicios, hay dos temáticas que me apasionan por sobre el resto: el cine bélico y la ciencia ficción. No sé cual de los dos me gusta más, tan solo puedo decir que no me pierdo ningún estreno que aborde estas temáticas. Hoy quiero escribir sobre ciencia ficción. Cada vez que veo un nuevo film del género, intento encontrar algo que aporte un elemento nuevo o distinto a películas que, en general, se quedan en lo tecnológico y descuidan lo filosófico. Es aquí donde, a mi juicio, radica el secreto de una buena producción, ya sea literaria o fílmica, de ciencia ficción. Hay que lograr un equilibrio perfecto entre lo que es una historia contundente, profundidad en los personajes y, a eso, agregarle tecnología y efectos especiales. Por otra parte, es un género  subvalorado por la crítica y las producciones exitosas son las que, precisamente, saben conjugar estos elementos. Así encontramos las sagas de "Star Wars" y "El Planeta de los Simios", también podemos ver "Star Trek" o disfrutar de "Matrix", "Blade Runner", en fin, del mismísimo "Terminator" por nombrar algunas. Las anteriores, eso sí, son películas relativamente nuevas y no desmerecen producciones antiguas como "Metrópolis" de mil novecientos veintisiete, "Flash Gordon" de mil novecientos cuarenta o "El Día que Paralizaron la Tierra" de mil novecientos cincuenta y uno. Pero, y no obstante todo lo anterior, entre unas y otras existe una frontera clara y determinada. Un film que marcó un antes y un después en el cine de ciencia ficción:"2001 Odisea del espacio". Es una película de culto británico-estadounidense dirigida por Stanley Kubrick y estrenada el tres de abril de mil novecientos sesenta y ocho. Marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales y sus proyecciones vanguardistas. Su director, Stanley Kubrick (Nueva York, 26 de julio de 1928 - Reino Unido, 7 de Marzo de 1999), no necesita mayores presentaciones. Quizás es el director más importante de la historia del cine. Me imagino que todos habrán visto, al menos, una de sus películas: "Espartaco" de mil novecientos sesenta, "Lolita" de mil novecientos sesenta y dos, "La Naranja Mecánica" de mil novecientos setenta y uno, "Barry Lyndon" de mil novecientos setenta y cinco, "El Resplandor" de mil novecientos ochenta, "Full Metal Jacket" de mil novecientos ochenta y siete. Su última película: "Ojos bien cerrados" de mil novecientos noventa y nueve. Todas grandes películas que más de alguna habrán visto. Llama la atención que Kubrick, si bien trabajó con grandes actores como Kirk Douglas, James Mason, Jack Nicholson y Tom Cruise entre otros, no haya utilizado en el reparto de "2001 Odisea del espacio" a actores de renombre aún cuando es uno de sus films más importantes. Sus protagonistas son Keir Dullea como Dave Bowman, Gary Lockwood como Frank Poole y William Sylvester como el Dr. Heywood Floyd. No conozco participación de ninguno de ellos en otros films de importancia. La película consta de cuatro partes y la trama de la principal consiste en un equipo de astronautas que sigue las señales de radio emitidas por un extraño monolito encontrado en la Luna y que parece ser obra de una civilización extraterrestre. Además, es una película multitemática pues aborda cuestiones como la evolución humana, los agujeros negros, la inteligencia artificial y la vida extraterrestre. Se caracteriza por su realismo científico y revolucionarios efectos especiales. Las criticas se polarizaron en un comienzo, sin embargo en la actualidad es uno de los films más aclamados de la cinematografía mundial. Y tan es así, que fue considerada cultural, histórica y estéticamente relevante por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y escogida para su preservación por el National Film Registry.  Si bien, se trata de una película futurista, el primer segmento es todo lo contrario. Nos introduce en la vida cotidiana de un grupo de primates y su lucha por sobrevivir. Incluso, deben disputar el agua con otro grupo similar. Son primates que temen a la oscuridad nocturna y a sus depredadores por lo que tienen un sueño nervioso en el fondo de una cueva. En un amanecer cualquiera, uno de los primates es despertado por extrañas vibraciones acústicas que provienen de un monolito negro y perfecto que aparece frente a su refugio. En un primer momento provoca alarma y confusión en el grupo, pero al poco tiempo, se acercan y llegan a reverenciarlo. A la postre, uno de los simios comienza a utilizar un hueso como arma del mismo modo que aparecen flashbacks mentales del monolito. Queda claro que el monolito provoca esta súbita aparición de inteligencia en los primates. Les ha dado cierto grado de conciencia sobre los recursos de que disponen para sobrevivir. Ahora los monos son capaces de matar animales, comer carne y vencer a la otra manada liquidando a su líder usando el hueso como arma. Exultante, el primate vencedor lanza su hueso al aire, produciéndose un enorme salto temporal en la narración: el hueso que asciende en el aire pasa a convertirse en una estación espacial que surca el espacio entre la Tierra y la Luna en el año 1999. Nos adentramos en el segundo segmento; Es el año 1999 y el Dr. Heywood Floyd viaja en un transbordador espacial de aspecto muy aerodinámico que recuerda a los aviones de pasajeros supersónicos. Es muy curioso que el vehículo lleve la insignia de la entonces importante aerolínea, hoy desaparecida, Pan Am. La nave ingresa a una estación espacial en torno a la Tierra. Es famosa la maniobra de aproximación pues es una coreografía espacial con la música de El Danubio azul,  de Johann Strauss hijo. La estación es enorme y tiene forma de doble rueda que gira en torno a un cilindro.​ Durante su estancia, el Dr. Floyd realiza una videoconferencia con su hija en la Tierra y luego tiene una conversación con científicos soviéticos. Después da una conferencia con científicos de otros países en la que se le pregunta sobre la extraña incomunicación con la base estadounidense de Clavius, y si son ciertos los rumores que apuntan a una epidemia en ella. Floyd declina brindar detalles sobre el asunto a los soviéticos y por ende, también a los espectadores. El Dr. Floyd se dirije enseguida a la Luna y, de nuevo, el alunizaje se convierte en una coreografía acompañada de El Danubio azul. Por fin se revela el misterio: el Dr. Floyd ha viajado para hacerse cargo de la investigación por el descubrimiento de un monolito idéntico al que encontraron los primates. Se hallaba enterrado en en un cráter. Hasta el momento, el monolito había resistido cualquier análisis y tampoco demostrado ninguna actividad. Lo que quedaba claro es que se trataba de algo fabricado por una civilización extraterrestre. Había sido enterrado intencionalmente y era la primera prueba real de vida extraterrestre. Había que mantener el secreto. Así, viajan a la excavación y bajan a pie hasta el nivel del monolito, maravillándose al ver y tocar algo tan perfecto, plano e insondable. En ese momento amanece en esa parte de la Luna y el monolito recibe el primer rayo de sol desde que fue enterrado. emite una potente señal acústica que deja aturdidos a los presentes. El tercer, y más importante de sus segmentos, nos traslada al año 2001. La nave Discovery 1 viaja a Júpiter con cinco tripulantes, tres en hibernación y dos despiertos, David Bowman y Frank Poole. Convive con ellos un supercomputador de última generación, llamado HAL 9000. Gobierna la nave con inteligencia artificial y se comunica con los humanos mediante el habla. Nada se dice acerca de la misión. La vida abordo es monótona hasta que, poco antes de llegar al punto de destino, HAL pregunta a David Bowman si no tiene dudas sobre la misión. El astronauta, sorprendido, responde negativamente, pero con vacilación. HAL se autointerrumpe en ese instante y anuncia un fallo en una unidad de comunicaciones que podría dar lugar a la pérdida de la conexión con la Tierra. David Bowman sale del Discovery en una pequeñas nave esférica con brazos de manipulación y reemplaza la unidad teóricamente averiada. Cuando regresa al interior, todos los análisis del circuito muestran un funcionamiento correcto y desde el control de la misión tampoco encuentran ningún fallo. Lo anterior pone en entredicho la fiabilidad de HAL. Bowman y Poole se encierran apagando  los micrófonos, para analizar la posibilidad de desconectar las funciones superiores de HAL, pero la computadora consigue leer sus labios. HAL vuelve a diagnosticar el fallo futuro de la unidad reemplazada, tomándose la decisión de volver a dejar la original para comprobar si acaba fallando o no, pero a la vez confirmando los problemas de fiabilidad de HAL. Ahora es Poole el que sale a realizar la sustitución, y cuando ha salido, HAL toma el control de su nave esférica lanzándola sobre él y asesinándolo. Provoca la despresurización de su traje espacial. Bowman se da cuenta del accidente y se introduce precipitadamente en otro de los pequeños módulos dotados de brazos y sale a rescatar a su compañero. Con Bowman fuera de la nave principal, HAL simula otra avería y provoca la muerte de los tripulantes hibernados. Por su parte, Bowman consigue llegar hasta Poole, pero ya está muerto. Lo recoge y regresa al Discovery. Sin embargo, HAL no obedece su orden de abrir el hangar y no puede entrar. Bowman decide una maniobra arriesgada: abandona a Frank Poole en el espacio, abre con los brazos articulados del módulo la puerta exterior de emergencia y coloca la escotilla de su nave orientada hacia ella. Activa la voladura de emergencia de su escotilla, siendo lanzado hacia el interior del Discovery. Ya con casco, para evitar la despresurización provocada por HAL, Bowman lo va desconectando. La máquina parece disculparse y pide no ser desconectado. David consigue entrar en la sala que contiene las funciones principales de HAL y comienza a extraer sus tarjetas de memoria una a una. HAL suplica compasión, pero cada vez con más problemas de comunicación y, por fin, se desactiva. Al desconectarse, se pone en marcha una videograbación del Dr. Floyd que pone al corriente a David Bowman de su misión: la investigación del origen de la señal recibida por el monolito TMA-1 en 1999, emitida desde un punto cercano a una de las lunas de Júpiter. Y llega el final de la película: Unos meses después, David Bowman llega a los alrededores de Júpiter en el Discovery y sale en una de las naves esféricas a investigar otro de los monolitos que orbita la luna Ío y que es el origen de la señal emanada de la Luna. No hay interacción hasta que, de pronto, el monolito toma el aspecto de una puerta rectangular y oscura. David lo atraviesa y comienza un viaje alucinante por paisajes psicodélicos.​ Son las imágenes que alguien tendría si viajara a velocidades cercanas o superiores a la luz. La escena cambia y Bowman se encuentra dentro de una extraña habitación decorada al estilo Luis XVI. En la extraña sala aparece una mesa elegante, pero sobriamente servida. Finalmente se ve a sí mismo en un espejo cada vez más viejo. Posteriormente aparece moribundo en una lujosa cama y frente a él reaparece, brillando, el monolito. Bowman, envejecido, señala con uno de sus dedos índices al monolito. Luego, toma la forma de un feto dentro de una esfera transparente  pasando a flotar en el espacio.Es muy importante la música. La película cuenta con música de Richard Strauss: Así habló Zarattustra, Johann Strauss hijo: El Danubio Azul y Gyorgy Ligeti, que acompañan las imágenes del espacio. Kubrick hace  un recorrido por la música del siglo XX que comienza con Zaratustra y culmina con Ligeti, para volver a iniciar el ciclo con los acordes finales de la obra de Richard Strauss.  Por otro lado, 2001 Odisea en el espacio está considerada como una de las más respetuosas con las leyes de la física. Escenas como la del acoplamiento de la lanzadera con la estación espacial, la ausencia de sonido en el espacio y detalles como el diseño de la nave Discovery marcaron un hito en el género que marcó tendencia. Por último 2001 Odisea del espacio inspiró a miles de personas a seguir carreras científicas.​ Sus efectos especiales y sus elementos tecnológicos fueron un modelo a seguir para las siguientes películas y novelas del género. Desde su estreno, inspiró a varias producciones posteriores como Star Wars, Blade Runner o Alien. Directores como George Lucas o Ridley Scott​ han declarado que es la película que cambió y definió el género. Saludos.